다니엘 뷔랑(Daniel Buren)의 '인 시튜(in situ)' 연구: 시각적 스펙터클을 중심으로

Abstract

다니엘 뷔랑(Daniel Buren, 1938-)은 전시될 장소와 공간에 맞추어 작품을 제작하는 인 시튜(in situ) 작업을 진행한다. 뷔랑은 자신의 모든 작업이 인 시튜임을 선언한다. 작가는 작품이 독자적으로 공간과 별도의 자율성(autonomy)을 갖는다고 주장하는 모더니즘 미술을 비판하기 위해 주변을 읽는 시각적 도구(outil visuel)인 줄무늬 화면을 사용하였다. 그는 줄무늬 화면을 통해 장소 및 공간에 있는 요소들을 개입시킴으로써 그의 작업을 장소특정적(site-specific)인 것으로 만든다. 이것은 관람자로 하여금 익명성을 지닌 줄무늬 화면 외에 화면을 둘러싸고 있는 주변 환경에 집중할 수 있도록 할 뿐만 아니라, 새로운 방식으로 주변을 해석할 수 있는 힘을 발휘하도록 한다. 또한 관람자들이 미술관과 같은 제도가 정한 전시 맥락들에 의해 은연중에 지배되는 것을 거부하도록 만든다. 뷔랑이 추구한 이와 같은 저항의 태도는 초기 그룹 활동에서부터 시작되나, 작가는 점차 흑백이 교차되는 수직 줄무늬 화면을 이용하여 자신만의 독자적인 방식으로 저항의 태도를 추구한다. 그는 거리 곳곳의 벽에 무단으로 줄무늬 화면을 도배하는 것에서부터, 미술관에서 관람자가 작품을 인식하는 기존에 방식을 뒤집기 위해 미술관 벽 전체를 줄무늬 화면으로 도배하는 등 다양한 시각적 연출을 보여준다. 본 연구에서는 뷔랑의 인 시튜 작업이 단순한 흑백의 줄무늬 평면에서 연극 무대의 공간이 되고, 점차 색채가 화려해지면서 건축 공간에 개입되는 등 그 기능이 스펙터클하게 확장되는 과정을 살펴보고자 한다. 특히, 이러한 변화에 가교 역할을 한 반-건축적 입방체 구조물인 위치 작업(travail situé)에는 공간이 복합적으로 개입되고 재료 및 색채가 풍부하게 사용되어 관람자들이 작품과 공간을 입체적으로 인지할 수 있는 가능성을 높인다. 나아가 뷔랑의 위치 작업인 <파열된 오두막(Les Cabanes Éclatées)> 시리즈는 이동성의 특징을 가지고 있다. 이는 인 시튜의 사전적 정의와 상이하면서도 인 시튜에 적용될 수 있어, 그의 작업이 다양하게 변화하는 과정을 보여주기 위한 중요한 지점이라 할 수 있다. 작가에 대한 기존 연구들에서는 이 부분이 전혀 언급되지 않거나 미비하게 다루어져 왔다. 그러나 위치 작업은 작가의 시각적으로 스펙터클하게 확장된 현재 작업을 설명해주는 데 있어 중요한 역할을 한다. 또한 본고에서는 뷔랑의 작업에서 유사하게 나타나는 시각적 장치들을 분류하여, 작가가 지속적으로 문제제기를 해왔던 관람 방식에 대해 자문해 보는 매개체가 됨을 보여준다. 이 장치들은 관람자들이 공간을 유희적으로 바라볼 수 있게 만드는 특징을 가진다. 주지했듯이 뷔랑 작업의 시각적으로 스펙터클한 특징들은 인 시튜 작업이 방대한 규모의 건축 공간과 결합됨에 따라 다양한 색채와 투명한 인공재료 그리고 빛이 사용되면서 극대화된 것이다. 이 지점에서 본 연구는 작업의 시각적 스펙터클이 자본주의의 상업적인 공간 및 시스템을 통해 상업적 스펙터클로 이동하면서 극대화되는 지점을 다루고자 한다. 이러한 양태에 대해 비평가들 및 저널리스트들은 뷔랑이 보여준 저항의 태도가 변질되었다고 비판하지만, 본고는 여전히 작가가 제도와 시장을 비판하는 정치적 전략으로 이를 이용하고 있음을 논증한다. 스펙터클로 확장된 뷔랑의 인 시튜 작업은 뷔랑이 모더니즘 미술과 제도에 저항하고 관람자의 작품 관람 방식과 공간을 해석하는 방식을 전복하고자 했던 초기 시도를 새롭게 환기한다. 이러한 변화의 방식을 통해, 뷔랑은 공간의 개념을 무한히 확장하고 작품에 대한 접근을 유연하게 하며, 관람자를 대중과 소비자라는 일상적인 범위로 확대하는 역할을 한다. 나아가 저항의 태도가 반드시 가시적이어야 한다는 편견을 극복하여, 관람자에게 예술을 경험하는 것으로 저항에 참여할 수 있는 가능성을 열어준다.

A Study on Daniel Burens in situ: Concentrating on Visual Spectacle

Daniel Burens (1938-) in situ work is designed for each specific location and space of exhibition. Buren declares that all of his work is in situ. The artist uses the stripe pattern on the plane as a visual tool(outil visuel) in response to the surroundings in order to criticize Modern art, which argues that the artwork is autonomous and takes up the space independently. He lets the elements of the location and space intervene through his striped canvases, and in so doing makes his makes his work site-specific. This allows viewers to not only focus on the environment surrounding the stripes, but the anonymous stripes also empower them to interpret the surroundings in new ways. As a corollary, Burens work enables viewers to question their unconscious subordination to accept the context of the exhibition that has traditionally been controlled by institutions like the art museum. The resistant attitude as such that Buren pursues start in his early group shows, however, the artist gradually pursued the attitude of resistance in his own unique way, using vertical stripes that alternate between black and white. In order to reverse the viewers usual perception of looking at artwork in the museum, he presents various visual displays ranging from non-authorized striped wall coverings in the streets to papering museum walls with stripes. This study tries to examine the process by which the function of Burens in situ works spectacularly extend, as simple stripe plane of black and white becomes a theatrical stage and it intervenes into the architectural space with even more splendid colors. In particular how the located work(travail situé), that functions as a bridge for this change, increases the possibility of the viewers three dimensional perception of the work and space as the work complexly engages the space using rich materials and colors. Furthermore, Burens located work and the series Les Cabanes Éclatées, have mobility as an attribute. This is an important point showing the variously changing processes of his work as it is in discord with the literal definition of in situ but applicable to in situ too. The existing studies on Buren havent mentioned this aspect at all or dealt with it adequately. However, the located work takes a pivotal role in explaining the artists current works that are by extension visually spectacular. Additionally, this thesis categorizes visual devices appearing in Burens work and deals with how the devices act to catalyze viewers in and out of physical space. These visual devices become the medium and as such, make us question the way we look at each space that is persistently claimed by the artist, by allowing viewers to playfully re-experience the space. As I discuss in this study, the visually spectacular characteristics of Burens work are maximized by using various colors, transparent artificial materials and lights as a result of overcoming the massive scale of architectural space in his in situ work. My thesis deals with this exact point where the visual spectacle is maximized as it transforms into a commercial spectacle through capitalism. For this aspect, whereas critics and journalists have criticized that his attitude of resistance as turncoat, this study discusses how the artist uses spectacle as a political strategy to criticize the institution and art market. Burens in situ work - that is extended to spectacle - newly recalls his initial attempt to resist Modern art and the institution and to subvert the way viewers perceive artwork and interpret the space. Through this change Buren extends the concept of space infinitely by making ones approach towards artwork flexible, while functioning in the role of expanding viewers towards the public mass and consumers on a daily level. Furthermore, by overcoming the prejudice that his attitude of resistance makes visible, his work opens the possibility for viewers to participate in the resistance by experiencing the artwork.