국제적 관점으로 본 이성자의 1950-60년대 판화 연구

Abstract

본 논문은 작가 이성자의 1950-60년대 판화를 국제적 관점에서 고찰한 연구이다. 이성자는 1951년 도불하여 2009년 작고할 때까지 프랑스를 주 무대로 회화, 판화, 도자기, 태피스트리, 모자이크, 시화집 등 다양한 장르의 작품을 남겼다. 그는 1950년대 말부터 프랑스 화단의 주목을 받았고 1960년대에 이르면 알베르토 마넬리, 장 아르프, 소니아 들로네 등 당대에 국제적으로 유명했던 작가들과 대등하게 교류하며 작가로서의 위상을 인정받았다. 이성자의 이런 활동은 한국과 프랑스 양국의 현대 미술에 중요한 의미를 갖는다. 이성자가 1950-60년대 프랑스 화단에서 주목받게 된 중요한 계기가 판화였으며 프랑스 문화성, 국립조형예술센터, 프랑스 국립도서관 등에서 그의 판화를 다수 소장하고 있다는 사실은 이성자의 판화가 높이 평가되고 있음을 입증한다. 그럼에도 불구하고 회화에 비해 판화 연구는 미진하다. 또한 이성자가 프랑스 주류 화단에서 활약했음에도 지나치게 한국성만을 강조하여 그 중요성이 간과되고 있다. 본 연구는 그에 착안하여 이성자의 판화를 국제적인 관점에서 살펴보았다. 1950년대 프랑스에서 앙리 고에츠, 스탠리 윌리엄 헤이터 등의 미술 교육을 통해 판화를 접하며 당시 프랑스 추상의 경향을 선택적으로 수용하고 거기에 동양적 감성이 더해진 개성을 드러내 호평 받았다. 1950년대 말 부터는 자연이라는 주제에 애정을 갖고 목판화 제작에 몰두한다. 이 시기 파리 화단의 중요한 경향 중의 하나였던 <누벨 에콜 드 파리>의 작가들과 교유하며 판화의 재료적 특성에 집중하고 나아가 자신만의 기호를 발전시킨다. 1960년대로 넘어가면 이성자에게 있어 회화와 판화는 별개의 것이 아니고 중요하게 표현하고자 했던 조형을 드러내기 위한 상호 연관된 매체였다. 회화 여성과 대지 시대는 이성자가 한국과 프랑스 모두에게서 지금까지도 가장 인정받은 시기인데 회화에서 중요하게 쓰인 도상이 판화에서 선행되었음에 주목했다. 이성자는 판화를 회화의 부차적 매체로 보지 않았으며 그가 다룬 다양한 장르는 서로 영향을 주고 받으며 함께 발전해 나갔다. 1960년대에는 <그라스 그룹>의 추상 화가들과 친교를 나누며 그들이 자연을 대하는 태도에 깊이 공감했다. 자연 속에서 직접 재료를 선택하면서 판화 제작의 전 과정에 참여하였고 가공된 목판이 아닌 자연 그대로의 나무를 이용한 목판화를 통해 자신만의 독창적인 작품 세계를 모색해 나갔다. 이러한 자세는 곧 회화에도 응용되면서 회화와 판화의 경계가 허물어진다. 본 연구는 다양한 장르, 많은 변천을 시도한 복잡다단한 이성자의 작품 세계를 다각적인 관점에서 파악하고자 하는 하나의 시도이기도 하다. 더 나아가 판화를 중요시하고 판화를 회화와 함께 제작하는 것을 당연시했던 프랑스 미술사적 맥락에서 회화-판화가로서의 이성자의 활동상을 짚어 본 것이라는 의의를 갖는다.

This thesis conducts a study on the Korean artist, Seundja Rhees prints in the 1950s and 60s within the international context. Rhee left for France in 1951 and as an artist mainly active in France created artworks in various genres such as painting, print, ceramic, mosaic, a collection of illustrated poems and more until her passing in 2009. She grabbed the attention of the French art scene from the late 1950s and became an important figure of the Korean and the French contemporary arts in the 1960s as she was acknowledged for her status as an artist associated with internationally renowned artists like Alberto Magnelli, Jean Arp, and Sonia Delaunay. The significant milestone which made Rhee to gain the attention of the French art scene in the 1950s and 60s was her prints, and the fact that many of those prints are housed in the collections of French Ministry of Culture, National Center for Visual Arts and National Library of France proves Rhees works are highly esteemed. Nevertheless, studies on her prints are insufficient compared to the studies on her paintings. In addition, although she was greatly active in the major art scene in France only her Korean characteristic has been excessively emphasized in other studies and the significance of her prints is being overlooked. Based on the circumstances, the study examines Rhees prints from the international perspective. Rhee learned prints through the education of Henry Goetz and Stanley William Hayter in the 1950s, France. By selectively accepting the trend in the French abstract art at the time and embodying the sensitivity of the Eastern art, Rhee received good reviews. From the late 1950s she mostly created woodcut prints with a theme of nature and socially associated with the artists of <Nouvelle École de Paris>. Rhee concentrated on the material property of print and through that she developed her own preference. As it turns to the 1960s, a print and a painting are not a separate medium to Rhee anymore, but mutually related media to reveal forms which she wished to express. Woman and Earth Period(1961-68) is the time when Rhee was acknowledged the most both in Korea and France, and the study focuses on the fact the important motif in her paintings from this period was preceded in the print work. Rhee did not consider print as a secondary medium to painting, and the various genres she explored were mutually influential and progressive as together. In the 1960s, Rhee enjoyed close friendship with the abstract artists of <Groupe de Grasse> and shared the attitude towards nature deeply. They selected materials themselves from the nature and participated in the entire process of making prints. They found their own creative art world through making woodcut prints using woods in its natural state rather than using processed wood panels. This kind of attitude was applied on painting and soon they reached the stage where a boundary between painting and print crumbles. The study can be seen as one of the attempts to understand the complicated art world of Rhee who tried many art genres and transformations from a multilateral perspective. Furthermore, it has significance for looking back at the activities of Rhee as a painter-print artist in the art historical context of France where print was considered important and creating prints and paintings together was regarded as normal.