1970년대 한국 대중음악의 녹음 의식 연구

Abstract

The purpose of this study is to conceptualize and contextualize Korean popular music of the 1970s through the concept of recording consciousness. To this end, this study will describe the overall change of Orient Productions recording and production system by reconstructing prior research and secondary literature with analyzing the sonic characteristics of major releases focusing on its style and timbre. In doing so, this study aims to position contemporary folk music in 1970s Korea as a multi-track based style of music with thick timbre. Another aim is to reevaluate the second half of the 1970s as a period of synthesis between foreign pop and Korean popular music, refuting formerly conceptualized historic narrative of Korean popular music, which politically unified this period as a dark age under the intense control of the Yushin regime represented by the cannabis crisis.

This study selected the concept of recording consciousness as a theoretical tool for this purpose. Since the invention of the phonograph at the end of the 19th century, listening as a modern technique which hear sound separated from its source material, made the practice of sound recording as creating fiction rather than representing the real. Rock music, which first emerged as rock and roll music in Anglo-American popular music through the 1950s and 60s, were based on these artificial sounds produced by magnetic recording technologies such as multi-track, overdubbing, and stereo. The ontological thickness of timbre as a characteristic of rock music distinguished itself from Western musical traditions and conventions from the past. Therefore, the concept of recording consciousness proposed by H. Stith Bennett in his analysis of rock musicians practices is significant to this account in that it defines recording consciousness as a purely mental activity or a way of imagining. By having recording consciousness, musicians envision specific sounds in their heads with mechanical sound control available by recording studios. In conclusion, recording consciousness is an important concept and method of analyzing popular music because it reveals the media-technological and aesthetic basis of popular music.

During the early to mid-20th century, when innovation in recording technology was mostly centered in the West, Korean popular music was in a peripheral position experiencing colonization and civil war, thus advanced recording technology was introduced in Korea relatively late an in poor quality. Because of this gap in time, recording consciousness in Korea was specifically established, different from the West by the disparate gap between technology and style. For example, rock and roll music in 1960s Korea could not access to magnetic recording technology such as multi-track, therefore was only practiced by on-stage performances. In contrast, contemporary folk music in 1970s Korea could utilize and experiment these technology because an appropriate environment for recording was created when multi-track was finally introduced to the scene and small, independent, and legally unauthorized producers can produce records by borrowing the names of official major labels. Drawing on these facts, this study argues that within Orient Productions various subjectificated actor could associate and unite, producing a specific recording consciousness and a label-distinctive sound.

Unlike other record labels and productions of the time, Orient Productions had its own recording studio and session band, resulting in relative freedom to experiment with recording technique and consciousness of musicians, producers, performers, and technicians alike. Nevertheless, primary control over the recordings by Orient Productions president Na Hyun Gu, who also served as chief producer and professional technician of the production, clashed with the goals of singer-songwriters originated from amateurism. In this process, folk songs were combined with rock arrangements to create a distinct folk-rock style, and the use of electric instruments and sound effects created an original timbre characterized by the usage of artificial reverberation, making Orient Productions releases from the first half of the 1970s an interesting example of recording consciousness in Korean popular music.

After the cannabis crisis of 1975, recording consciousness of Orient Productions split between mainstream and underground music during the second half of the 1970s. In this period, the division of labor within Orient Productions system become increasingly professionalized, and folk-rock as a combination of two genres formerly introduced in Korea as a western pop style synthesized with common Korean popular music styles such as trot, becoming a new sound and arrangement of popular music. Meanwhile, singer-songwriters who sought their own autonomy outside of Orient Productions were able to self produce their own record and establish their own recording studios with united associations of performers, therefore building their own folk-rock sound and style that was separate from Orient Productions recordings.

By reconstructing Orient Productions history throughout the 1970s using recording conscious as a theoretical perspective, this study has shown that the cannabis crisis did not cause an absolute severance in the history of contemporary folk music nor popular music in Korea. Rather, the 1970s in Korean popular music history need to be re-conceptualized as a period in which crucial elements such as multi-track technology, recording consciousness, autonomy of musicians and folk-rock style, were irreversibly established, creating practices that persisted into the 1980s and influenced subsequent popular music in Korea.

본 논문은 녹음 의식(recording consciousness)의 개념으로 1970년대 한국 대중음악을 재평가하는 것을 목표로 한다. 이를 위해 선행 연구 및 2차 문헌의 재구성을 통해 오리엔트 프로덕션의 녹음 및 제작 체계가 변화하는 과정을 서술하고, 그에 따른 주요 발매작들의 음향적 특징을 양식 및 음색을 중심으로 분석한다. 이를 통해 본 논문은 1970년대 한국의 포크 음악을 멀티트랙 기술을 바탕으로 한 두터운 음색을 지닌 양식으로 위치 짓고, 기존 대중음악사 서술에서 대마초 파동으로 대표되는 유신체제의 강도 높은 통제로 인해 정치적으로 일원화된 암흑기로 서술되는 1970년대 하반기를 팝과 가요가 종합되는 시기로 재조명하고자 한다.

녹음 의식이라는 개념은 이러한 목적을 위한 도구로 채택되었다. 소리를 음원에서 분리해 듣는 근대적 기예로서의 청취는 축음기가 발명된 19세기 말 이래 녹음을 통해 제작된 대중음악의 음향을 실재의 재현보다는 허구의 창작으로 의미화했다. 이때 1950~1960년대 영미 대중음악에서 출현한 로큰롤 및 록 음악은 멀티트랙·오버 더빙·스테레오 등의 자기 녹음 기술로 생성된 인공적인 음향을 근간으로 발생했고, 과거 서구 음악의 전통 및 관습과 구분되는 존재론적으로 두터운 음색이라는 특징을 가진다. 따라서 베넷(H. Stith Bennett)이 록 음악가들의 실천을 분석하며 제안한 녹음 의식은 음악가가 녹음실에서 제어가 가능한 특정 음향을 머릿속에서 그리는 순수한 정신 활동 혹은 상상 방식으로서 정의한다는 점에서 중요하다. 곧, 녹음 의식은 대중음악을 분석하는 개념이자 방법론으로서 그 기술·매체적이고 미학적인 특성을 드러낸다는 점에 의의가 있다.

20세기 초중반 동안 서구를 중심으로 혁신이 진행되던 녹음 기술은, 주변부의 위치에서 식민지와 내전을 겪은 한국의 대중음악에서는 늦거나 열악하게 도입되었다. 이러한 시차(時差)를 띠고 어긋나는 기술과 양식의 틈새에서 녹음 의식이 특수하게 정립되는 시차(視差)가 발생했는데, 이를테면 1960년대 한국의 로큰롤 및 록 음악은 멀티트랙과 같은 자기 녹음 기술에 접속하지 못해 무대에서의 실연을 중심으로 실천될 수밖에 없었다. 그에 비해 1970년대 한국의 포크 음악은 대중음악계에 마침내 멀티트랙이 도입되고, 법적으로 인준받지 못한 군소·독립 제작사가 공식적인 대형 음반사의 상호를 빌리는 대명(貸名) 제작을 실행하는 환경에서 실험될 수 있었다. 이러한 사실에서 착안해, 본 논문은 오리엔트 프로덕션 내에서 주체화된 다양한 행위자들이 서로 연합하며 특수한 녹음 의식을 정립했고, 이에 따라 오리엔트 프로덕션만의 음향을 제작했다고 주장하고 싶다.

오리엔트 프로덕션은 당대의 다른 제작사 및 음반사와 달리 자체적인 녹음실 및 세션 밴드를 갖췄다는 점에서 음악가·제작자·연주인·기술자 등의 녹음 기술 및 의식을 상대적으로 자유롭게 실험할 수 있었다. 그럼에도, 오리엔트 프로덕션에서는 사장일 뿐만 아니라 총제작자이자 전문 기술자의 역할까지 맡은 나현구가 녹음물에 강력한 제어력을 발휘했기에 이는 아마추어 출신 포크 싱어송라이터들의 목표와 충돌했다. 이 과정에서 포크 악곡이 록적 편성과 결합하며 특징적인 포크-록 양식이 탄생했고, 전기적인 악기 및 음향효과를 활용해 인공적인 반향이 두드러지는 고유한 음색을 형성했다. 이 때문에 오리엔트 프로덕션의 1970년대 상반기 발매작들은 당대 한국 대중음악의 녹음 의식을 드러내는 흥미로운 사례가 된다.

이러한 오리엔트 프로덕션의 녹음 의식은 이후 1975년의 대마초 파동을 거치며 1970년대 하반기 동안 주류(메인스트림)·지하(언더그라운드) 대중음악으로 분화되었다. 이 시기 동안 오리엔트 프로덕션 내부에서는 분업 제작 체계의 전문화 경향이 강해지는 과정에서 한국에서 이전까지 팝 계열 대중음악으로 받아들여졌던 록과 포크가 결합한 포크-록은 새로운 음색과 편성의 형태로 트로트와 같은 기성 가요와 종합되었다. 한편, 오리엔트 프로덕션의 바깥으로 나와 자신들만의 고유한 자율성을 추구한 포크 싱어송라이터들은 자체적인 제작자의 역할을 겸하고 그들만의 녹음실 및 행위자들의 연합을 마련하며 오리엔트 프로덕션의 녹음물과는 분명히 구분되는 고유한 포크-록 음향을 구축할 수 있었다.

이렇게 1970년대를 관통하는 오리엔트 프로덕션의 행보를 녹음 의식이라는 이론적 관점으로 재구성하며, 본 논문은 결론적으로 대마초 파동으로 인해 포크 음악 혹은 대중음악사 자체에 절대적인 단절이 발생하지 않았다는 점을 보였다. 도리어, 한국 대중음악사에서 1970년대는 멀티트랙 기술과 녹음 의식, 음악가의 자율성, 그리고 포크-록 양식 등 후대의 한국 대중음악에도 영향을 미칠 중대한 요소들이 비가역적으로 정립되고 1980년대로 지속되는 실천을 만들어낸 시기로서 재의미화할 필요가 있다.